O designer de Chicago, cujo trabalho está em visão no Instituto de Costumes, reflete sobre esculturas descartáveis, histórias surdas e acesso como invenção. Foto: O Museu Metropolitano de Arte/Anna-Marie Kellen No Instituto de Costumes do Museu Metropolitano de Artes, Justin Dougan-LeBlanc. As esculturas usadas expandem a moda para o domínio do gesto, acesso e comunicação incorporada. Raizados na experiência sorda e na linguagem de sinais, os trabalhos em ї Arte de fantasia ї—duas roupas e um auricular escultórico—não são concebidos como roupas funcionais, mas como objetos escultóricos que tornam visível a percepção, a constrição e a troca no corpo e em torno dele. Suas obras no.Costume Art. são descritas não como vestuário, mas como objetos que.capturam gestos no tempo.. Enraizados na experiência sorda e linguagem de sinais, como você pensa sobre escultura desgastável como linguagem de design, uma que se encontra entre roupa, objeto, corpo e comunicação? Minha prática se move através de escultura, instalação, trabalho baseado em objetos, filme, áudio e formulários usables. Não penso em esculturas desgastáveis como uma categoria separada dentro do trabalho, mas como uma maneira eu exploro questões maiores em torno da comunicação, percepção, gesto e o corpo no espaço. As esculturas usables no.Costume Art. crescem a partir desses interesses mais amplos. Nunca pensei neles principalmente como vestuário. Eles começam com o corpo, mas eles são realmente sobre movimento, comunicação e os vestígios que deixamos para trás quando tentamos nos conectar um com o outro. Como surdo, eu experimento a linguagem como física, espacial e profundamente encarnada. A linguagem de sinais se estende além do corpo, transformando o gesto em significado. Muito do meu trabalho começa com uma pergunta simples: o que acontece quando esses gestos se tornam materiais? O que significaria preservar um momento de comunicação da forma como uma fotografia preserva um momento no tempo? Os objetos resultantes funcionam menos como roupa do que como registros físicos de movimento, memória e troca. Eu penso neles como gestos congelados: formas que se mantêm na linguagem, percepção e desejo humano de ser entendido. A acessibilidade é frequentemente tratada como algo adicionado após o fato, mas o seu trabalho trata- o como fonte de forma e invenção. O que se torna possível quando o acesso é o ponto de partida para o design? A acessibilidade é tratada com demasiada frequência como algo adicionado após o fato. Em arte, design, arquitetura e cultura, ele é frequentemente abordado como uma correção ou modificação, algo considerado apenas depois de as decisões principais já terem sido tomadas. Minha própria experiência me ensinou algo muito diferente. O acesso tem sido uma das maiores fontes de criatividade, imaginação e possibilidade na minha vida e no meu trabalho. Quando o acesso se torna o ponto de partida, novas coisas se tornam possíveis.

Emergir novos formulários. Novas formas de comunicação abrem- se. Novas relações entre as pessoas podem tomar forma. O que é frequentemente percebido como uma limitação pode se tornar uma fonte de invenção. Muito do meu trabalho começa com perguntas sobre comunicação sorda, tecnologias assistitivas, percepção visual e adaptação corporal. Estes não são obstáculos que estou tentando ultrapassar. São formas de conhecer, fazer e compreender o mundo. A acessibilidade também se estende muito além da arte e do design. Ele forma quem fica a ser visto, quem participa e cujas ideias são permitidas para entrar na sala. Os artistas deficientes ainda são muitas vezes excluídos de exposições, coleções, galerias e conversas culturais mais amplas, porque a deficiência é tratada como separada da experiência humana, em vez de central para ela. Quando isso acontece, todos perdem algo. Instituições e público perdem perspectivas, ideias e formas de inovação que poderiam tornar a cultura mais expansiva, mais honesta e mais viva. Uma das coisas que aprecio sobre a abordagem do MetÕs é que a deficiência não foi tratada como um pensamento posterior. Foi parte da conversa desde o início. Isso importa. Acredito que mais instituições podem aprender com esse modelo, não só porque é mais equitativo, mas porque ele leva a um trabalho mais rico, formas mais fortes de comunicação e formas mais profundas de compreensão uns dos outros. Para mim, o objetivo não é simplesmente tornar algo acessível. É para reconhecer a acessibilidade como uma metodologia criativa, capaz de produzir ideias, experiências e formas que de outra forma não existiriam. Justin Dougan-LeBlanc, їPode me ouvir?./Foto: James Prinz Com duas roupas e um auricular escultórico em visão, e funciona a partir da série que entra na coleção permanente do Met, o que significa colocar a experiência surda dentro da linguagem institucional de fantasia, design e história da arte? É difícil separar este momento da história mais ampla das pessoas surdas sendo excluídas das narrativas e instituições culturais. Eu cheguei a entender que eu estou entre muito poucos artistas surdos contemporâneos representados dentro da coleção, e que a realização carrega um certo peso e responsabilidade. Durante gerações, a experiência sorda tem sido frequentemente enquadrada através de narrativas médicas, educativas ou tecnológicas, em vez de através da arte e cultura. Para ver trabalhos centrados em Surdos, digite a coleção do Museu Metropolitano de Arte representa uma mudança significativa nessa conversa. O que mais se sente significativo não é simplesmente a minha inclusão, mas a possibilidade de que a experiência sorda possa ser reconhecida como fonte de produção cultural, inovação artística e conhecimento.

Justin Dougan- LeBlanc, їDysmorphia Surda./Foto: David Ian Grant Há gerações de artistas, fabricantes e pensadores surdos cujas contribuições existiram fora da visibilidade das principais instituições. Espero que momentos como este ajudem a expandir a conversa e a criar maior visibilidade para essas vozes. Um dos momentos mais emocionantes da exposição foi aprender mais sobre o pareamento do meu trabalho,.Dysmorphia Surda,. com o antigo ouvido votivo de calcário cipriota inscrito com as palavras,.Eu pertenço a uma pessoa surda.. Durante uma conversa com [o curador principal] Andrew Bolton, cheguei a entender melhor o significado desse pareamento dentro da exposição. Aqui estava um objeto criado há mais de dois mil anos entrando em diálogo com um trabalho contemporâneo enraizado na experiência Sourda. Apesar da distância no tempo, a conexão se sentiu notávelmente imediata e pessoal. Ele serviu como lembrete de que as histórias dos Surdos sempre existiram, mesmo quando as instituições nem sempre as reconheceram. Recentemente, passei tempo na pesquisa Martha vínia da Martha vínia da língua de sinais, uma das influências históricas na língua de sinais americana. O que me impressionou foi quanto desse histórico foi perdido ou fragmentado porque nunca foi totalmente documentado ou preservado. Dentro de poucas gerações, grande parte dessa língua e história cultural se fragmentou ou desapareceu da memória pública. Como artista e educador, penso frequentemente sobre o que é preservado, o que se perde e quem é incluído nas histórias que escolhemos contar. Essa experiência reforçou para mim quão importante a visibilidade, documentação e representação podem ser. Ter um lugar na mesa como artista sordo não é apenas sobre reconhecimento pessoal. Também é sobre garantir que histórias, experiências e contribuições sordas sejam gravadas, lembradas e incluídas na nossa narrativa cultural compartilhada. Sua prática cruza moda, arquitetura, instalação e tecnologia. Como essas disciplinas moldam a forma como você pensa sobre o corpo, não apenas como um usuário, mas como um local de percepção, constrição e troca? Nunca estive especialmente interessado em ficar dentro de uma única disciplina. Estou mais interessado nas perguntas que diferentes disciplinas me permitem fazer sobre comunicação, percepção e corpo. A arquitetura me ensinou a pensar sobre como os ambientes influenciam o movimento e o comportamento. A moda me ensinou como existe a forma em relação direta ao corpo. A escultura e a instalação me deram uma maneira de expandir essas ideias em objetos, espaços e experiências que as pessoas podem encontrar fisicamente. Como surdo, eu me movo entre vários sistemas de comunicação todos os dias, incluindo a Língua Americana de Sinais, a linguagem falada e as tecnologias assistitivas. Essa experiência me fez especialmente ciente dos momentos em que a comunicação tem sucesso, se desintegra, se adapta ou se torna algo novo. Esses momentos muitas vezes se tornam o ponto de partida para o meu trabalho.

Por causa disso, raramente penso no corpo como simples usuário de objetos. Eu penso no corpo como um local de comunicação e percepção, formando constantemente relações com pessoas, tecnologias e ambientes. Se estou criando uma escultura desgastável, uma instalação, um filme, um trabalho de áudio ou uma peça baseada em objetos, estou finalmente voltando à mesma pergunta: como a comunicação e a percepção moldam a forma como nos movemos, conectamos e entendemos o mundo ao nosso redor? Justin Dougan-LeBlanc, їVocê pode me ver? ї/Foto: James Prinz Olhando para a sua exposição individual na Universidade Gallaudet em setembro, como você está pensando em ampliar estas perguntas ao redor do espaço, acesso e encarnação sordos além do objeto desgastável? A exposição Gallaudet oferece uma oportunidade significativa para expandir essas ideias além da escala do corpo e para a escala do ambiente. Muito do trabalho no.Costume Art. começa com o corpo e com perguntas sobre comunicação, percepção e acesso. No Gallaudet, tenho a chance de estender essas mesmas perguntas em trabalhos escultóricos e baseados na instalação maiores que considerem como os ambientes moldam as formas de nos reunirmos, comunicarmos e experimentarmos uns aos outros. Por muitos anos, tenho estado interessado em princípios do Espaço Surdo e nas formas como a arquitetura pode suportar comunicação visual, comunidade e pertença. Esta exposição permite- me pensar sobre o acesso não apenas como acomodação, mas como algo que pode gerar ativamente forma, espaço e experiência. O que faz com que Gallaudet seja especialmente significativo para mim é que a experiência sorda não está posicionada nas margens. Ele está centrado. Isso cria uma oportunidade rara e poderosa de pensar sobre comunicação, percepção e acesso a partir de uma cultura onde essas perguntas são profundamente vividas. De muitas maneiras, a exposição continua a mesma investigação que conecta o meu trabalho no The Met. Estou interessado em como a comunicação e a percepção moldam o corpo, mas também como eles moldam os espaços, comunidades e culturas ao nosso redor. Em última análise, o trabalho pergunta o que se torna possível quando experiências que historicamente foram marginalizadas são entendidas como fontes de conhecimento, criatividade e inovação. Publicado na edição impressa do Setembro 2026 edição, com a manchete. Expandindo a Língua da Moda: No Met, Justin Dougan- LeBlanc reflete sobre esculturas usadas, histórias surdas e acesso como invenção.. Vasia Rigou, nascida em grego, é um escritor, editor e curador. O seu apreço pela arte começou cedo, moldado pela sua família, meticulosamente planejadas, viagens culturais pela Europa – completas com cada parada de museu imaginável. Muito do seu trabalho, escrever sobre arte visual, design e cultura pode ser encontrado em Newcity, Chicago, publicação de cultura líder, onde ela serve como editor. Ela também contribui regularmente para o Artnet News e para revistas internacionais OnOffice e ICON. Na sua prática curatorial, ela explora temas de identidade, intimidade e pertença. Você pode normalmente encontrar a galeria dela saltando em torno da cidade — ocasionalmente com o seu crítico mais duro (e mais pequeno), o bebê Benjamin, cujo meio favorito atual é a pintura de dedos. Diga oi no Instagram ou em rigouvasia.com.